Explorando pinturas famosas en el Instituto de Arte de Chicago

Él Instituto de Arte de Chicago es uno de los principales museos de arte del mundo y, para algunos, podría decirse que es el mejor museo de arte de los Estados Unidos. El museo cuenta con varias obras de arte famosas de algunos de los artistas más legendarios, como Vincent van Gogh y Pablo Picasso. Definitivamente es uno de los principales destinos para ver en Chicago, así que aquí hay un vistazo a algunas de mis obras favoritas que vi en mi reciente viaje al Instituto de Arte de Chicago.

Gótico americano – Grant Wood (1930)

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En 1930, Grant Wood se inspiró en el “absurdo estructural” de una ventana de estilo gótico en una “casa de estructura endeble” en Eldon, Iowa. Decidió pintar personas frente a la casa que serían “el tipo de personas que me imagino que deberían vivir en esa casa”. Entonces recurrió a su hermana y al dentista para que modelaran como sujetos de la pintura. Existe un debate sobre si se trata de una esposa y un esposo representados o de un padre y una hija, pero muchos creen que debido a la diferencia de edad, se suponía que era lo último.

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Wood ingresó su pintura en una competencia en el Instituto de Arte de Chicago y ganó la medalla de bronce y un premio en efectivo de $ 300. Luego, la pintura apareció en los periódicos de todo el país y ganó popularidad de manera constante. Muchos habitantes del medio oeste despreciaron su descripción como “golpeadores de la Biblia puritanos, de rostro sombrío y pellizcados”, pero Wood afirmó que esa no era su intención en absoluto. De hecho, al vivir en Europa, Wood supuestamente se encariñó más con el Medio Oeste y sus formas más simples e incluso se le citó diciendo: “Todas las buenas ideas que he tenido se me ocurrieron mientras ordeñaba una vaca”.

Hoy en día, la pintura aún evoca una interpretación satírica y a menudo parodiada de las formas de vida rural, pero también representa el espíritu estadounidense de perseverar en los tiempos difíciles de la Gran Depresión. Si alguna vez viaja por carretera a través de Iowa, en realidad puede visitar la casa hecho famoso por esta pintura.

Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte – Georges Seurat (1884)

Perfil-7Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte – Georges Seurat (1884) Seurat utilizó una técnica conocida como “puntillismo” para completar esta obra maestra de renombre. Inspirado por la investigación científica de la época, Seurat creía que al pintar pequeños puntos de colores contrastantes, podía producir las formas de colores “más atrevidas y puras” que el ojo humano podía percibir. Este enfoque permitió a Seurat liderar el movimiento neoimpresionista, donde los artistas refinaron los conceptos de luz y color en sus obras e implementaron un nuevo enfoque calculado del arte que abandonó la espontaneidad de los impresionistas y, en consecuencia, resultó en duras críticas. Las teorías científicas con respecto a la luminosidad y el color en las que se basaron los neoimpresionistas probablemente estaban fuera de lugar, pero sus obras, sin embargo, desencadenaron un movimiento que se popularizó rápidamente.
Perfil-9Primer plano de trazos evidencia de puntillismo.

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Seurat tardó dos años en completar esta pintura, que terminó a la temprana edad de 26 años. Durante esos dos años, completó más de 30 dibujos preliminares y pinturas al óleo, centrándose meticulosamente en la elaboración del paisaje detallado retratado en la obra final. Hay mucho debate sobre la interpretación del trabajo, pero una de las interpretaciones más conmovedoras proviene de Ernst Bloch: “Esta imagen es un único mosaico de aburrimiento, una representación magistral del anhelo decepcionado y las incongruencias de un dolce far niente [idleness],” Bloch escribió. “La pintura representa una mañana de domingo de clase media en una isla del Sena cerca de París… a pesar de la recreación que allí se desarrolla, parece pertenecer más al Hades que a un domingo… El resultado es un aburrimiento sin fin, la utopía infernal del hombrecillo de bordear el sábado y aferrarse a él también; su domingo tiene éxito sólo como una necesidad molesta, no como una breve muestra de la Tierra Prometida”.

Calle París; Día lluvioso – Gustave Caillebotte (1877)

Calle París; Día lluvioso – Gustave Caillebotte (1877)

Esta es la obra más famosa de Gustave Caillebotte y describe la vida urbana en París en un bulevar recién construido cerca de una intersección llamada Place de Dublin. Se dice que la pintura está inspirada en la fotografía y esto se puede ver en muchos de los elementos de la pintura. Hay un cambio en la nitidez de las figuras y estructuras, que pretende imitar el efecto del enfoque de una cámara. Además, el centro de la imagen parece sobresalir y el hombre de la derecha está medio recortado, muy parecido a lo que podrías encontrar en una fotografía. Finalmente, la imagen se compone casi como una instantánea de una escena callejera, aunque se dice que Gustave pasó meses elaborando esta escena.

El viejo guitarrista – Pablo Picasso (1903-1904)

chicagoEl viejo guitarrista – Pablo Picasso (1903-1904)

El Viejo Guitarrista llegó casi al final del “período azul” de Pablo Picasso. Afectado por el suicidio de un amigo cercano, este fue un período en el que Picasso se centró en los oprimidos y la miseria de los empobrecidos. Esta pintura en particular captura el tema doloroso con su esquema de color monocromático y la figura del guitarrista desplomado que parece enfermizo y quizás ciego y al borde de la muerte. El único contraste de color es la guitarra, de la que se dice que simboliza la vida y el significado que el arte aporta a los empobrecidos o, por el contrario, la soledad que suele ser la vida de un artista.

Mucha gente no lo sabe, pero hay varias imágenes ocultas dentro de The Old Guitarist. Lo más destacado es que hay una mujer escondida inquietantemente detrás del área del cuello del guitarrista. Se pueden distinguir vagamente algunos de sus rasgos faciales a simple vista, como la línea de la mandíbula y los ojos, pero se necesitaron rayos X y tecnología infrarroja para descubrir todos sus detalles.

guitarrista_irEscaneo infrarrojo de El viejo guitarrista – Imagen de AIC

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Además de la mujer, descubrieron un toro, un ternero y un niño pequeño en el fondo, la misma escena que Picasso describió a un amigo en una carta de 1903. Algunos expertos creen que incluso podría haber otra escena representada, lo que significa que dos pinturas diferentes pueden estar debajo de El viejo guitarrista.

Algunas otras obras de Picasso están a continuación.

chicagoEl sillón rojo (1931)
chicagoDaniel-Henry Kahnweiler (1910)

Dormitorio en Arles – Vincent van Gogh (1889)

Dormitorio en Arles – Vincent van Gogh (1889)

Entre 1888 y 1889, Vincent van Gogh creó tres versiones de una de sus pinturas más famosas. Completó la primera versión justo después de mudarse a su “Casa Amarilla” en 1888. Sin embargo, después de que el daño del agua amenazara la preservación de su primera obra, decidió pintar otra versión, aunque esta vez pintaría desde los confines del manicomio. en Saint-Rémy. La tercera versión más pequeña de Van Gogh (que se encuentra en el Musée d’Orsay de París) fue un regalo para su madre y su hermana solo unas semanas después de crear la segunda versión.

Van Gogh vivió en 37 lugares en sus 37 años, a menudo viviendo con amigos, sus padres o en pequeñas habitaciones sobre cafés, pero nunca tuvo un lugar que pudiera llamar suyo. Para muchos, esta pintura de su dormitorio significa la importancia y el anhelo que tenía Van Gogh por su hogar. Los colores son brillantes, evocan emociones tranquilas y los detalles de la habitación, las pinturas (obras del propio van Gogh), los muebles y la mesita de noche estaban destinados a crear una sensación de bienvenida para otros artistas. Curiosamente, muchos de los colores originales se han decolorado, lo que hace que las paredes y puertas originalmente moradas ahora parezcan azules.

Los bebedores (1890)

chicagoLos bebedores – Vincent van Gogh (1890)

Van Gogh se inspiró en una obra de arte anterior cuando creó The Drinkers. En un momento en que vivía en el manicomio, van Gogh se centró más en la interpretación que en la creación de sus propias obras. Rehizo la versión de Honoré Daumier (que se ve a continuación) en la suya propia. Las “cuatro etapas del hombre” representan la naturaleza cíclica del alcoholismo y se piensa que el verde usado por van Gogh es una alusión a la absenta, una bebida muy conocida en la época. Captura de pantalla 2016-08-21 a las 3.27.51 p. m.

Autorretrato (1887)

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Van Gogh creó muchos autorretratos, pero este apareció pronto, solo un año después de su primer autorretrato conocido publicado en 1886. Cuando van Gogh comenzó a pintar autorretratos, adoptó un estilo similar al de Rembrandt, pero en tan poco tiempo como un año, había cambiado su dirección hacia la vanguardia parisina a favor del contraste brillante de colores complementarios. A continuación, puede ver cuán diferente es el estilo que Vincent van Gogh adoptó por primera vez con uno de sus primeros autorretratos conocidos.

Wikipedia – Creative Commons

Estas famosas pinturas son, por supuesto, solo la punta del iceberg de lo que puedes admirar en el Instituto de Arte de Chicago, pero trato de limitar mi fotografía cuando entro en museos de renombre para evitar molestar a los demás y darme tiempo para relajarme y disfrutar del arte mientras estoy allí. Incluso si no eres un gran fanático del arte, si te diriges a Chicago, debes marcar esto como una atracción de visita obligada, ya que no muchos museos te ofrecen la oportunidad de ver tantas obras de renombre en una sola visita.

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